20 urodziny Photoshopa
Jak połączyć Digital Painting z fotomontażem.
Program: Photoshop CS4 Poziom: średni
Tak abstrakcyjny temat daje nam bardzo dużo możliwości. Możemy puścić wodze wyobraźni, odrzucić wszelkie reguły i korzystając ze wszelkich dostępnych środków stworzyć coś niesamowitego. W tym tuto rialu pokażemy jak można połączyć techniki malarskie i umiejętności w obróbce zdjęć, aby stworzyć spójny obrazek.
1. Pomysł
Zaczniemy od stworzenia koncepcji pracy i wyszukania potrzebnych materiałów. Ta technika daje nam ogromne możliwości, bo dzięki niej możemy przyspieszyć pracę, dodać elementy, których namalowanie mogłoby sprawić nam trudność, a drugiej strony nie jesteśmy ograniczeni, ponieważ możemy namalować to, co trudno byłoby nam znaleźć na zdjęciach. Na początek dobrze jest puścić wodze wyobraźni i zastanowić się, co się nam kojarzy z Photoshopem. Mnie na myśl przychodzą od razu symbole z opakowań- piórko i motyl. Chciałam też namalować dziewczynę, która tworzy obrazy w powietrzu i słońce oraz księżyc jako symbole dnia i nocy, czyli upływu czasu. Przestrzeń kosmiczna symbolizuje wielkie możliwości i brak ograniczeń, które oferuje nam ten program
2. Szkic
Szkic namalujemy w czerni i bieli, ponieważ na tym etapie chcemy jedynie ustawić kompozycję pracy. Nad kolorystyką i dokładnym ustawieniem poszczególnych elementów zastanowimy się później. W prawym dolnym rogu umiejscawiamy malującą dziewczynę – ją namalujemy ręcznie w całości. Od lewego dolnego do prawego górnego rogu będą narastały kolejne wizje przez nią tworzone. Kolejnym symbolem Photoshopa będzie pędzel, którym maluje artystka – nie będzie on zupełnie realistyczny, bo ma przypominać ten z palety narzędzi programu.
3. Kolorystyka
Do danego tematu najlepiej będzie pasowała bogata i radosna, ale też trochę tajemnicza kolorystyka. Użyjemy fioletów, pomarańczy i granatów. Nie może też zabraknąć niebieskiego, który najbardziej kojarzy się z Photoshopem. Na początek na nowej warstwie (Blending Mode ustawione na Color) nakładamy na całość fiolet. W trakcie pracy będziemy stopniowo dodawać nowe kolory.
Ustawienie zdjęć nie wiąże się ze szkicem, więc teraz wybieramy pędzel Background Brush i zmalowujemy tło po lewej stronie od dziewczyny, używając granatów, fioletów i czerwieni. Mieszamy te kolory ze sobą, tworząc ciekawe przejścia – ta kolorystyka będzie podkładem prześwitującym spomiędzy elementów naszej parcy.
4. Dziewczyna – Twarz I
Najważniejszą rzeczą , gdy łączymy malowanie z fotomontażem, jest to, aby utrzymać w całej pracy ten sam styl, a także ten sam stopień realizmu. Możemy to osiągnąć na dwa sposoby – wykańczając całą pracę jednocześnie (wklejamy wszystkie zdjęcia i podmalowujemy wszystko) lub malując etapami i dopasowując każdy kolejny element do poprzedniego stylu. Ja wybrałam drugą opcję. Zacznijmy od namalowania dziewczyny w dosyć realistyczny sposób. Jednak nie chcemy, aby nasza praca byłą hiperrealistyczna, więc później podmalujemy kolejne zdjęcia tak aby pasowały.
Na początek malujemy w czerni i bieli aby ustawić sobie światła i anatomię bez przejmowania się kolorystyką. Używamy do tego Chalk Brush. W tym wypadku malowałam jej twarz z wyobraźni, ale jeśli ktoś nie czuje się na siłach może użyć materiałów referencyjnych – szczególnie jeśli chodzi o oświetlenie twarzy. Źródło światła znajduje się w lewym dolnym rogu, więc prawie cała lewa strona twarzy będzie znajdowała się w cieniu. Ważny jest też wyraz twarzy – w tym wypadku dziewczyna ma mieć delikatną i niewinną twarz, rzucającą przez ramię zdziwione spojrzenie.
5. Dziewczyna – Twarz II
Teraz nałóżmy kolor na twarz dziewczyny. Na skórę wybieramy beże, róże i jasne pomarańcze, oczy zrobimy niebieskie, a usta o czerwono-różowym odcieniu. Pamiętajmy, aby użyć też kolorów otoczenia – w cieniu dodajemy skórze granatów i fioletów. Nie należy zapominać, że skóra to nie tylko 2-3 odcienie w świetle, cieniu i pomiędzy – ma ona różne barwy na różnych częściach twarzy, np. przy nosie jest bardziej różowa, a pod oczami ma zimniejszy odcień.
Teraz zblendujemy kolory, aby dodać skórze delikatne przejścia – użyjemy w tym celu Splatter Brush z Opacity 50%. Łączymy kolory ze sobą i dodajemy też nowe z palety, aby skóra nie wyszła zbyt brudna. Zostawiamy trochę faktury, aby skóra była bardziej realistyczna. Bardzo ważne przy malowaniu postaci jest obracanie obrazka w poziomie. Wtedy najczęściej wychodzą wszystkie błędy i skrzywienia. Tak więc wybieramy Image>Image Rotation>Flip Canvas Horizontal i sprawdzamy czy twarz dziewczyny wygląda poprawnie.
6. Dziewczyna – Włosy I
Dosyć skomplikowanym elementem pracy jest namalowanie włosów. Ja poświęcam tej części dosyć dużo czasu, aby włosy wyglądały realistycznie, a nie jak słoma. Najtrudniejsze do namalowania są loki, bo wymagają najwięcej pracy i uwagi, ale można się w trakcie ich malowania najwięcej nauczyć. Tak więc namalujemy naszej artystce Miedziano-rude loki, które moim zdaniem najlepiej pasują do koncepcji i kolorystyki. Zaczynamy od ciemnego koloru i stopniowo dodajemy włosom blasku. Kolorem wyjściowym w tym wypadku jest ciemny brąz o lekko czerwonym odcieniu – malujemy za pomocą Hard Round Brush i od razu staramy się nadać włosom konkretny kształt. Pamiętajmy też, że włosy rzucają cień na twarz- bez tego będą wyglądały nienaturalnie.
7. Dziewczyna – Włosy II
Mamy już wstępnie zdefiniowany kolor i kształt, więc teraz nadamy włosom objętości. Wybieramy jaśniejszy odcień brązu o rudym odcieniu i podmalowujemy nim zewnętrzną warstwę włosów. Używamy do tego Hair Brush – dzięki temu widać konkretne kosmyki.
Blasku włosom dodamy za pomocą Airbrush ustawionego na Linear Dodge (Add) z Opacity na 50%. Nie przesadzamy z tym, aby nie uzyskać efektu przepalenia. Staramy się też nigdy nie rozświetlić aż do bieli, bo wtedy włosy będą balde i nierealne. Na koniec malujemy jeszcze za pomocą Hard Round Brush, z włączoną opcją Shape Dynamics, pojedyncze włoski i kosmyki.
8. Dziewczyna- Ręka
Rękę trzymającą pędzel malujemy w taki sam sposób jak skórę twarzy. Dobrze jest użyć materiałów referencyjnych, aby poprawnie namalować anatomię podczas tej czynności. Ja nie używałam zdjęć tylko ułożyłam w taki sposób własną rękę. Pamiętamy aby tu także w cieniu dodać granatu i fioletu, aby obrazek był spójny.
Na koniec dodajemy fakturę za pomocą Splatter Brush. Tak samo malujemy lewe ramię.
9. Słońce i księżyc.
Teraz wstawiamy i podmalujemy zdjęcia, a na koniec dopracujemy jeszcze obrazek jako całość. Zacznijmy od wstawienia zdjęć księżyca i słońca. Oba znajdują się na jednolitym tle, więc bardzo łatwo je wyciąć.
Ja jednak nie chcę mieć ostrych krawędzi więc wklejam całe zdjęcie i za pomocą Eraser Tool ustawionego na Airbrush (50% Opacity) wycieram czerń tła, zostawiając tylko lekką łunę dookoła.
Słońce nie wymaga podmalówek, ale księżyc jest zimny i blady. Tak więc wybieramy Airbrush ustawiony na Color i ciepłym żółtym kolorem podmalowujemy lekko księżyc.
10. Gwiezdny pył.
Aby obrazek wyglądał bardziej fantastycznie i baśniowo namalujemy gwiezdny pył jako falistą linię pomiędzy dziewczyną a planetami. Jego spodnią warstwę malujemy za pomocą Background Brush, następnie używając Splatter Brush, w bardziej różowo-pomarańczowym odcieniu, malujemy jego wierzchnią warstwę. Na koniec dodajemy mu więcej kolorów i małe błyski za pomocą Hard Round Brush.
Jeśli chcemy, aby nasz obrazek miał więcej drobnego detalu, to niektóre z nich możemy namalować na kształt motyli czy małych wróżek, elfów itp.
11. Paleta, rybka i kwiaty.
Teraz w lewym dolnym rogu namalujemy paletę malarską z wszystkimi kolorami z obrazka. To róg naszej pracy, więc możemy ją namalować w dosyć uproszczony sposób. Najpierw malujemy szkic za pomocą Hard Round Brush, a potem nadajemy farbom na palecie fakturę za pomocą Stencil Sponge.
Teraz wklejamy w lewym dolnym rogu zdjęcia kwiatów i rybki. Możemy je wyciąć z tła za pomocą Lasso Tool lub opcji Select>Color Range – zależnie w jaki sposób jest prościej i wygodniej. Pasują one kolorystycznie ale oświetlenie mają inne. Źródłami światła w naszej pracy są: słońce, księżyc i źródło ciepłego światła w lewym dolnym rogu. I to trzecie źródło będzie najmocniej oświetlało te elementy. Tak więc wybieramy Hard Round Brush i dodajemy blask żółto-pomarańczowego światła na kwiatach i rybie. Na koniec sprawiamy, żeby rybka i kwiat będą jakby wyrastały z kolorów na palecie, dzięki czemu przejście pomiędzy tymi elementami będzie bardziej płynne.
12. Piórko
Pióro to przynajmniej dla mnie najbardziej charakterystyczny dla Photoshopa symbol. Wycinamy je z pudełka Photoshopa CS2 za pomocą Lasso Tool i wklejamy na nasz obrazek. Jest mniejsze niż potrzeba więc skalujemy je Edit>Transform>Scale, a następnie podmalowujemy lekko za pomocą Hard Round Brush, pobierając kolory pipetą, aby zamalować piksele, które są widoczne po powiększeniu.
Musimy też zamalować fragment drugiego piórka, które wycięliśmy przy okazji. Piórko nie pasuje kolorystycznie, więc na nowej warstwie z Blending Mode ustawionym na Soft Light malujemy je za pomocą Airbrush ciepłym, pomarańczowym kolorem. Następnie klikamy pomiędzy tymi dwoma warstwami trzymając (Alt), aby nasz efekt oddziaływał tylko na piórko. Na koniec musimy jeszcze domalować na nowej warstwie trochę włosów, które zakryją dół piórka i sprawią, że lepiej się ono wpasuje.
13. Motyle
Drugim charakterystycznym dla Photoshopa symbolem jest motyl. Znajduje się on na jednolitym tle, więc wytniemy go bardzo prosto za pomocą opcji Color Range. Następnie wklejamy podwójnie na nasz obrazek.
Jeden z nich będzie siedział na ramieniu dziewczyny- pamiętajmy o tym, żeby namalować rzucony przez niego cień. Dodatkowo będzie on lekko oświetlony z lewej strony – malujemy na jego skrzydle lekką, pomarańczową łunę za pomocą Airbrush. Drugi motyl będzie siedział na kwiatku po lewej stronie i jego musimy trochę podmalować – ma wyglądać na niedomalowany, nieskończony przez dziewczynę.
14. Pędzel
Tak jak pisałam wcześniej, pędzel nie ma być bardzo realistyczny, tylko trochę rysunkowy tak jak na palecie Photoshopa. Na jego końcówkę nakładamy turkusową farbę, aby było widać, że dziewczyna maluje motyla. Pamiętajmy też, że będzie on oświetlony z góry lekką, pomarańczową łuną przez słońce, w dodatku będzie rzucał cień na rękę. Możemy mu dodać trochę detalu, malując pojedyncze włoski za pomocą Hard Round Brush o małej średnicy.
15. Oświetlenie
Teraz mam mniej więcej ustawioną całość obrazka, więc musimy trochę popracować nad jego spójnym wyglądem – to najważniejsza rzecz w tego typu pracach. Tym, co jako pierwsze rzuca się w oczy jest to, że skóra i włosy dziewczyny niezupełnie pasują kolorystycznie do obrazka – nie mają dość ciepłych kolorów.
Zaczniemy więc od poprawienia kolorystyki twarzy i włosów dziewczyny – tworzymy nową warstwę i za pomocą Airbrush malujemy smugi ciepłych kolorów (czerwieni, pomarańczy i żółcieni). Nie martwmy się, że coś zamazaliśmy, ponieważ na koniec przełączymy Blending Mode warstwy na Overlay. Jeśli kolory są zbyt jaskrawe, to możemy zmniejszyć trochę Opacity – w tym przypadku zmniejszam je na 87%. W ten sam sposób podmalowujemy teraz rękę i ramię. Możemy też dodać trochę koloru na tło i inne elementy, jeśli jest to potrzebne.
16. Ręka
Kolejnym krokiem będzie dodanie detalu ręce. Musimy też domalować jej odpowiednie oświetlenie, tak jak robiliśmy to przy twarzy. Za pomocą Airbrush dodajemy jej ciepłego światła z lewej strony, a na jej górnej części malujemy lekkie światło odbite na twarzy – dzięki temu zyska bardziej wyrazisty kontur. Na wierzchniej warstwie palców dodamy lekką, czerwoną łunę od słońca, aby urozmaicić kolorystykę. Pamiętajmy też, że palce będą rzucały cień na pędzel.
17. Poprawki włosów.
Tak jak pisałam, włosy są trudnym do namalowania elementem. W tym przypadku wyglądają na zbyt twarde i druciane. W takim wypadku najlepiej wziąć miękki pędzel i lekko podmalować je po wierzchu, żeby zatrzeć trochę pojedynczych linii i nadać im delikatniejszą fakturę. Można je rozjaśnić i dodać więcej czerwonego koloru pochodzącego od słońca. Można też domalować więcej pojedynczych kosmyków na obrzeżach, dzięki czemu zyskają na objętości.
18. Napis
Na koniec głównej fazy malowania dodamy jeszcze napis na słońcu – postarajmy się, aby wyglądał on trochę jak wybuchy gazów. Używamy w tym celu kolorów pobranych pipetą ze słońca. Do namalowania napisu używamy Texture Brush, który ma dość ostrą fakturę i dzięki temu napis będzie czytelny, ale nie bardzo wyraźny. Ostre krawędzie sprawiłyby, że bardzo by się wyróżniał, przykuwał wzrok i nie pasował do reszty.
19. Kontrast
Mamy już wszystko namalowane, więc czas na końcowe efekty. Najpierw poprawimy kontrast obrazka, żeby wszystkie elementy jeszcze lepiej współgrały. Spłaszczamy obrazek – Layer>Flatten Image i kopiujemy warstwę – Layer>Duplicat Layer.
Następnie dodajemy lekkie rozmycie – Filter>Blur>Gaussian Blur i ustawiamy Radius na 11 pikseli. Na koniec dodajemy Image>Adjustments>Levels, włączamy Auto Levels i zmieniamy Blending Mode warstwy na Soft Light i Opacity na 20%. Teraz nasz obrazek ma mocniejszy kontrast i dodatkowo dzięki filtrowi Blur lekkie wrażenie żaru w powietrzu.
20. Faktura
W niektórych miejscach widać, że użyliśmy zdjęcia i nie wszystko malowaliśmy ręcznie, więc na koniec dodamy jeszcze artystyczny filtr, który nada wszystkiemu lekką fakturę pędzla. Tak więc znowu spłaszczamy obrazek, kopiujemy warstwę i włączamy Filter>Filter Gallery i z listy wybieramy Dry Brush. Brush Size ustawiamy na 0. Brush Detal na 10 i Texture na 2. Teraz tylko musimy lekko zetrzeć gumką fakturę z miejsc, w których jest niepotrzebna lub zbyt wyrazista – z twarzy, włosów, gwiezdnego pyłu itd.
Dzięki temu tuto rialowi dowiedzieliście się jak połączyć malowanie z fotomontażem. Teraz macie nieograniczone możliwości w tworzeniu Waszych wizji. Nie ogranicza was już to, czy macie odpowiednie zdjęcia lub czy umiecie coś namalować. Teraz możecie połączyć wszystkie umiejętności i tworzyć wymarzone i najbardziej fantastyczne obrazy,
Amelia Hałgas
Dodaj swój komentarz
Zobacz także:
You need to log in to vote
The blog owner requires users to be logged in to be able to vote for this post.
Alternatively, if you do not have an account yet you can create one here.
Powered by Vote It Up